Perché l'arte è necessaria per una persona fin dall'infanzia. Saggio “Perché è necessaria l’arte. Aiuta a comprendere la realtà

Cos’è l’arte e perché è necessaria? e ho ottenuto la risposta migliore

Risposta da N-art™[guru]
ARTE: comprensione figurativa della realtà, processo o risultato dell'espressione mondo interiore nelle immagini (artistiche), la combinazione creativa di elementi in un modo che riflette idee, sentimenti o emozioni.
L'ARTE - al contrario della SCIENZA - è un modo sensoriale di conoscere il MONDO.
L'etimologia di questa parola deriva dall'inglese ART o dal latino ARS, che significa ABILITA'. Ma questo non spiega cosa sia l'arte e cosa sia nella vita delle persone.
Secondo me l'ARTE è progettata per plasmare il gusto in una persona, vale a dire il gusto.
UNA PERSONA - avendo realizzato l'arte, deve imparare a distinguere il prezioso dallo pseudo-prezioso, il necessario dal non necessario.
Con lo sviluppo della società, l'emergere di un gran numero di persone istruite, gli stili artistici iniziano a cambiarsi l'un l'altro con una velocità incantevole.
Nel XX secolo gli artisti non potevano ignorare il fenomeno delle guerre distruttive e disumane.
La crescente complessità della coscienza e del pensiero dell'uomo moderno ha portato alla sfumatura dei confini tra i tipi di arte e alla creazione di un tutto sintetico.
È proprio perché l'ARTE è in equilibrio sull'orlo della bellezza e della VERA rappresentazione della realtà che ci sono così tante ramificate classificazioni delle sue opere, dove alla fine può essere definita qualsiasi tipo di attività se fosse oggetto di un esame preliminare: dalla fotografia alla arti marziali, da giochi per computer all'erotismo.
Perché una persona ha bisogno dell'ARTE?
Questo è ciò che lo distingue dagli animali, poiché nessuno tranne MAN si sforza di creare e ammirare opere d'arte.
L'ARTE è necessaria per guidare una persona sulla strada verso il raggiungimento dell'ARMONIA a cui tende, per aiutare a trasmettere le sue idee a grandi masse - L'ARTE ci fa sforzare di svelare l'enigma del mondo e può guarire, intrattenere e può immergerci in una trance rituale.
Le opere d'arte possono essere prodotti commerciali o idee filosofiche effimere.
Alla fine del XX secolo emerse una tendenza verso la commercializzazione generale dell’arte.
Se prima possedere opere d'arte ed essere tra loro era un segno di un certo status e posizione nella società, ai nostri tempi questa idea costringe le persone ad acquistare biglietti per spettacoli, feste private, ad acquistare attrezzature e gioielli esclusivi e costosi.
Ciò che è considerato NECESSARIO e IMPORTANTE nelle opere d'ARTE e cosa ignorare nell'arte può essere deciso solo da ciascuna persona specifica con la propria comprensione del mondo dell'arte).
Lo spettatore, che si pone il compito di comprendere un dipinto come arte e di dargli una valutazione artistica, lo guarda con uno sguardo capace di rivelarne il significato interiore, l'unità e l'interazione degli elementi, come in una sorta di orchestra, in cui ogni strumento esegue la propria parte, ma tutti insieme formano qualcosa di unico.
L'arte di Botticelli, Raffaello, Michelangelo, Rubens, Rembrandt, Velazquez e molti altri maestri non può essere decifrata senza tutti i riflessi semantici che si avvertono nelle immagini da loro create.
Si può parlare di un'idea, di un tema, di una trama solo se non si dimentica che nell'ARTE il pensiero è inseparabile dalla forma espressiva.
La forma espressiva nella pittura è composizione, spazio, disegno, colore. E nella scultura c'è il volume plastico.
L'anima di un capolavoro pittorico è inseparabile dalla sua materia pittorica.
Lo studio delle opere dei grandi maestri dovrebbe educare a uomo moderno comprendere i diversi percorsi della creatività artistica, ognuno dei quali è diverso dall'altro, ma tutti portano alla perfezione.
Naturalmente, prima di poter dire che tutti i nostri desideri sono già stati esauditi, dovrà passare molto tempo nei naturali tentativi di avvicinarci al nostro OBIETTIVO finale. .)):

(scritto nel 2005 per un libro)

Cos'è l'arte? Nessuna definizione darà completa chiarezza.
In russo, diciamo, questa parola deriva da Iskus, o TENTAZIONE. È interessante notare che solo in russo le parole “arte” e “artista” suonano diversamente. Confrontare:
Inglese: arte – arte, artista – l'artista.
Italiano: arte – arte, artista – artista.
Francese: arte - l "arte, artista - artista.
Serbo: l'arte è abilità, l'artista è abilità.
L'ultima definizione ci è vicina, poiché è legata alla parola “essere capace” e “abile” è già praticamente in contatto con “abile”. Ma, tuttavia, tutte queste osservazioni non sono specifiche. E anche vari dizionari ed enciclopedie cantano a modo loro.
Alcuni riferiscono che l'arte è una delle forme di coscienza sociale che riflette la realtà nelle immagini artistiche. Altri sostengono che sia un mezzo per apprendere e cambiare la vita, parte integrante della cultura spirituale dell'umanità, un tipo specifico di esplorazione pratico-spirituale del mondo. Altri ancora insistono: l'arte è una comprensione creativa del mondo che ci circonda da parte di una persona di talento. I frutti di questa comprensione appartengono non solo ai suoi creatori, ma a tutta l'umanità che vive sul pianeta Terra.
Il quarto (TSB) divide generalmente le arti in belle arti e non belle arti. Tra i primi rientrano la pittura, la scultura, la grafica, la fotografia, che riproducono con diversi gradi di autenticità sensoriale la realtà percepita visivamente sia utilizzando veri volumi tridimensionali (scultura) sia raffigurandoli su una superficie bidimensionale (pittura, grafica, fotografia). Questi dizionari includono l'architettura, le arti decorative e applicate e il design artistico come arti non belle, dove le forme visuo-spaziali, di regola, non implicano analogie con la realtà.
Torniamo alle radici. Il dizionario esplicativo di V. Dahl riporta: "L'arte è una proprietà abile, abilità; conoscenza, abilità, abilità sviluppata dall'abilità o dall'insegnamento; un ramo o parte dell'educazione umana, illuminazione; abilità che richiede grande abilità e gusto. Belle arti, tutte le arti . Essere abili, fare arte, lavoro che richiede arte."
Cosa posso dire? Ogni definizione è corretta e ciascuna può essere leggermente discussa. Voglio parlare principalmente di “belle arti” e di “belle arti”. Sulla pittura, che incontriamo costantemente nella vita di tutti i giorni. Visitando musei e sale espositive impariamo a comprendere, vedere e assorbire la bellezza che è già diventata parte della nostra vita quotidiana. Il bello dell'arte è che è creata da pochi eletti e appartiene a tutti. Stiamo cercando di capire cosa hanno creato i maestri, avvicinandoci alla loro visione del mondo.
Non è affatto necessario per noi stessi essere creatori, questo è impossibile, ma è in nostro potere cercare di penetrare nell'essenza della creazione, per avvicinarci alla sua comprensione. E quanto più spesso diventiamo contemplatori dei dipinti, tanto meglio per noi. L'arte ha molti volti ed è eterna, ma sfortunatamente non sempre ci influenza senza la partecipazione della nostra volontà, dello sforzo mentale e di un certo lavoro di pensiero. Bisogna voler imparare a vedere e comprendere la bellezza, allora l'arte avrà un effetto benefico su noi comuni mortali.
Una persona nasce, vive e sperimenta il mondo giocando. Il gioco è caratterizzato dalla creazione da parte di una persona nello spazio e nel tempo di un'immagine del mondo che gli dà una sensazione di pienezza di vita. Una persona che gioca si esprime in un'attività libera chiamata gioco. Le persone traggono piacere dai giochi, proprio come dall'arte.
Cos'è un gioco? Questo è un modello di realtà, un calco da esso, l'interazione con esso, la formazione - per assimilare le leggi della vita, attraversare tutti i tipi di opzioni per relazionarsi con la realtà e scegliere la strategia di comportamento più appropriata per te. Lo stesso vale per l'arte: il modello, l'allenamento e il gioco. Nelle opere d'arte si creano anche modelli di vita più o meno vicini alla realtà, e si può giocare con l'opera, comprendendola. In ogni caso, questo è il tipo di gioco che l'artista ci propone, ognuno il suo.
Così come l’arte ha la sua magia, di cui abbiamo già parlato tante volte, così ce l’ha anche il gioco. Basti ricordare la predizione del futuro sulle carte, "Il giocatore" di Dostoevskij e altri giocatori. Sia il gioco che l'arte provengono dalla stessa antica radice. Cosa sono i miti e le fiabe, le descrizioni di antichi riti e rituali, se non giochi - con le proprie regole stabilite, mosse e strategie, tattiche e premi vinti? Qui la teoria religiosa dell'origine dell'arte si fonde con quella del gioco: diciamo, una danza rituale prima della caccia serviva a “mettere in scena” l'evento imminente e un tentativo di influenzarne l'esito positivo.
L'infanzia dell'umanità in gioco si ripete ogni volta nell'infanzia di ogni bambino. I ragazzi giocano ai soldatini e inscenano situazioni in cui i soldati muoiono in battaglia o vincono. Le ragazze “puniscono” le bambole che “non obbediscono”, le vestono con abiti diversi e chiedono ai genitori i mobili per la bambola e i loro amici. Il gioco si sta avvicinando alla realtà. Un'opera d'arte è un gioco che offre, una delle possibili fette di mondo in cui lo spettatore prova ad adattarla a sé, per immaginare cosa accadrebbe se il mondo fosse uguale a quello del quadro.

Recensioni

Ottimo articolo, sono d'accordo su molte cose.
Tuttavia, un artigiano e un artista hanno gusti diversi.
Un artigiano è qualcosa di ben fatto, utilitaristico, di alta qualità, mentre un artigiano, qualunque cosa si possa dire, è più vicino all'abilità. E l'arte stessa, secondo me, si rivolge non tanto al buon senso quanto alla componente irrazionale, all'anima, se vogliamo. E qui puoi parlare quanto vuoi di capire gli artisti e tutto quel genere di cose, ma se non cattura la tua attenzione, allora puoi diventare un esperto, ma non un intenditore, e se ti cattura, allora c'è niente da imparare. Leggibile. L'essenza dell'arte è un'idea in qualche modo formata.

Pieter Bruegel (Il Vecchio). Adorazione dei Magi in un paesaggio invernale. 1567

Perché è necessaria l’arte? Alcuni diranno - per rilassarsi, altri - per piacere, altri - per l'espressione di sé dell'artista. Naturalmente questo è in parte vero, ma solo in parte. L’arte è, prima di tutto, un documento dell’epoca; riflette i pensieri, le aspirazioni, la fede e le speranze di una generazione che trasmette il suo messaggio alle generazioni successive. Allo stesso tempo, l'arte è un modo speciale per esprimere un'idea, verbalmente, visivamente, musicalmente, in modo che venga ascoltata, percepita e non persa nel tempo. E una persona di un'altra epoca è in grado di comprendere e decifrare questa immagine catturata, testo scritto. Si può dire che l’arte funge da canale per trasmettere un’idea a una nuova generazione. Un esempio lampante di ciò è il Vangelo, che non è solo una testimonianza della Parola di Dio, ma anche una grande opera di arte verbale che ha ispirato molti artisti, poeti e compositori nel corso dei secoli. Possiamo dire che il testo evangelico è stato creato da persone in sinergia con Dio, è ispirato da Dio. Ma in una certa misura l'arte diventa arte quando in essa c'è un'ispirazione dall'alto, perché all'uomo è stato dato questo dono da Dio: l'opportunità di creare. L'unica domanda è quale idea, pensiero guida l'artista. Cosa vuole dire ai suoi contemporanei e alle generazioni future? Lascerà una testimonianza di fede e di amore oppure di odio e distruzione?

Con l'avvento dell'uomo sulla terra è apparsa anche l'arte. Troviamo immagini sulle pareti di grotte, sculture in pietra e figurine in argilla, ceramiche dipinte e prodotti in osso risalenti al periodo preistorico quando non esisteva la scrittura. Tutto ciò suggerisce che gli antichi cercavano di creare non solo cose utilitaristiche, utili e necessarie per la sopravvivenza, ma anche cose che portano gioia, decorano la vita, insegnano qualcosa e elevano una persona al di sopra della routine quotidiana dell'esistenza.

La capacità di essere creativi è ciò che distingue gli esseri umani dagli animali. A prima vista, troviamo qualcosa di simile in natura: gli uccelli costruiscono nidi, i castori costruiscono capanne, la struttura sociale delle api e delle formiche colpisce nella sua organizzazione. Ma nel corso di migliaia di anni, le case dei castori e i nidi degli uccelli non cambiano nella loro struttura, non si trasformano in un'architettura con stili mutevoli che colpiscono per bellezza, non solo adatti all'abitazione. Anche la tecnologia per la produzione del miele da parte delle api e la costruzione dei formicai non cambiano né migliorano. L'istinto investito da Dio non si sviluppa, ma funziona sempre e ovunque allo stesso modo, mentre una persona è capace di sviluppare i suoi talenti, è costantemente alla ricerca di qualcosa di nuovo e cerca di creare qualcosa che non esisteva ancora prima di lui. Questa proprietà lo rende simile a Dio, che crea il mondo dal nulla e crea tutto nuovo.

È stato Dio Creatore che ha investito nell'uomo la capacità di creare; siamo creati a Sua immagine e somiglianza. Dio è il più grande Artista, in greco “creatore” è “poetes”, “poeta”. Dio crea il mondo secondo le leggi della bellezza e dell'armonia, lo scrive come una bellissima poesia, lo crea come una magnifica architettura, come una grandiosa sinfonia musicale. E Dio ammirava questo mondo meraviglioso come un’opera d’arte: “E Dio vide che era molto buono!” E Dio ha creato l'uomo perché ci sia qualcuno con cui gioire della bellezza della creazione, perché ci sia qualcuno che possa apprezzare questa bellezza, che possa conservarla e coltivarla, continuarla e svilupparla, comprenderla e glorificarla!

L'arte, senza dubbio, è nata in paradiso, anche se non sappiamo come fosse. Ma è chiaro che l’uomo non può fare a meno di ammirare la saggezza di Dio. Si può immaginare che Adamo, come più tardi Davide, abbia esclamato: “Quanto numerose sono le tue opere, o Signore! Hai fatto tutto saggiamente; la terra è piena delle tue opere!” (Sal 103:24). E se la creazione glorifica il Creatore, allora la corona della creazione, l'uomo, creato per glorificarlo, doveva diventare il reggente di questo coro, il direttore del grande universo sonoro.

Ma accadde che Adamo non adempì la missione affidatagli, perse il paradiso, perse l'opportunità di contemplare Dio faccia a faccia, mentre non smise di sentire l'armonia del mondo e di ascoltare la musica delle sfere, e non perdere la capacità di creare. Ma la sua arte divenne per molti versi nostalgia di un paradiso perduto. Allontanandosi da Dio e schiavizzando la creatura, l'uomo cominciò a sentire il bisogno della creatività come espressione di sé; divenne il grido della sua anima, un grido, una preghiera. Scoprì le possibilità cognitive della creatività e iniziò a sviluppare le funzioni comunicative dell'arte. Ma spesso ha rivolto le sue capacità divine a proprio vantaggio, allontanandosi da Dio. Naturalmente, di tanto in tanto, il desiderio di Dio, il desiderio di vedere Dio, di avvicinarsi a Lui, irrompe nell'arte. E questo ha dato vita a grandi opere d'arte. Tuttavia, avendo perso la conoscenza di Dio, l'uomo ha affinato la sua immaginazione, ha inventato Dio o gli dei, ha cercato di irrompere nel paradiso a lui chiuso con l'aiuto dell'arte, dotandolo di potere magico, a volte al limite delle sfere infernali. Come ogni cosa nel mondo dopo la Caduta, l'arte ha acquisito la dualità: poteva sia condurre a Dio sia allontanarsi da Lui.

Ma Dio, sapendo questo, cominciò a educare il suo popolo, proteggendolo dai pericoli. Il secondo comandamento del Decalogo, che vieta di raffigurare Dio in qualsiasi immagine, perché Dio è al di sopra di ogni cosa creata, concepibile e raffigurabile, ha posto una sorta di recinto alla creatività umana. Ciò dimostrava la preoccupazione di Dio per l’uomo affinché non cadesse nell’idolatria. Questo comandamento non nega l’arte, Dio non toglie all’uomo la creatività e la capacità di creare bellezza, ma insegna a vedere la verità nella bellezza. La Bibbia dice che Dio stesso diede istruzioni su come creare il tabernacolo e il Tempio, come decorarli, quali modelli tessere e con quali pietre preziose rivestire le vesti dei sommi sacerdoti. E gli antichi ebrei impararono a servire Dio attraverso l'arte. Culto, strumenti musicali, numerosi cori: tutto questo, senza dubbio, appartiene al campo dell'arte, e tutto questo si sta sviluppando con successo tra il popolo eletto di Dio. Ma il fenomeno più sorprendente nella cultura ebraica è stato Davide il Salmista, un esempio di alta arte, perfetta creatività, bello nella forma e profondo nei contenuti e che ha ispirato poeti per migliaia di anni. I Salmi testimoniano la profonda fede degli ebrei, e questa è stata tramandata di generazione in generazione fino ai nostri giorni. C'è un esempio di pura poesia nella Bibbia: questo è il Cantico dei Cantici, un poema lirico sull'amore di un ragazzo e una ragazza. Successivamente, interpreti e saggi lo leggeranno allegoricamente, come una storia sulla relazione tra l'anima e Dio, Cristo e la Chiesa, ma inizialmente è ancora una poesia sul semplice amore umano, scritta in uno stile sorprendente, con metafore vivide e un trama tagliente.

Ci sono molti generi diversi nella Bibbia che riflettono varie forme di arte letteraria: cronache storiche e parabole, retorica ed epica, dramma e tragedia, proverbi e detti, lamenti e persino elementi di umorismo, ecc. Tale diversità di genere del Libro dei Libri suggerisce che il popolo ebraico fosse indubbiamente talentuoso e che Dio permise ai suoi talenti di manifestarsi e svilupparsi.

Ma perché Dio ha bisogno di tutto questo e perché l’uomo? Perché l’arte è necessaria? La Bibbia, ovviamente, è un messaggio divino all'umanità, trasmesso attraverso il popolo eletto di Dio al mondo intero. Questo messaggio si è formato nel corso dei secoli, si è sviluppato gradualmente, accumulato, trasmesso prima attraverso la tradizione orale, affinché la memoria delle grandi gesta di Dio fosse preservata di generazione in generazione. Quindi questa leggenda è stata scritta, ora viene letta e compresa. Ma idealmente, tutta l'arte è così: è un messaggio da una generazione alle altre, al futuro, è un messaggio da un popolo ad altri, da una persona a un'altra persona. Abbiamo parlato di epoche pre-letterate; è attraverso l’arte che apprendiamo cosa vivevano gli antichi, in cosa credevano e come comprendevano il mondo. Impariamo anche a conoscere la vita dei popoli scomparsi, ad esempio i Maya e gli Aztechi in Sud America, dalla loro arte, esplorando gli scavi di città, templi piramidali, immagini bizzarre su rilievi, ecc. E le epoche più vicine a noi ci trasmettono il loro messaggio attraverso dipinti, sculture, creatività verbale e musicale. Questo è un messaggio, uno scambio di doni, un'educazione dell'anima e talvolta una rivelazione. Se non ci fosse la musica di Bach, come comprenderemmo a quale altezza può elevarsi la preghiera?! Se non fosse per la “Divina Commedia” di Dante, non penseremmo ai cammini che percorrono le anime umane, portando con sé il peso dei loro peccati, e a quanto è grande la misericordia di Dio, che apre la strada alla redenzione. Alcune opere sono facili da comprendere per noi e ne percepiamo immediatamente l'idea, alcune contengono un mistero che intere generazioni stanno cercando di risolvere, come il sorriso di Monna Lisa, mentre altre suscitano accesi dibattiti, come “Quadrato nero” di Malevich. " L'arte ci dà l'opportunità di sentire che il mondo è bello e complesso, diverso e sfaccettato, che ha sfere diverse, sfaccettature diverse, linguaggi diversi.

Il Signore dà a ogni persona il proprio talento, e ad alcuni anche diversi, e realizzando questi doni, una persona aumenta la ricchezza del mondo di Dio. Se seppellisce il suo dono, anche con pie intenzioni, il mondo di Dio diventerà più povero, l'umanità perderà molto. Se usa il dono non per il bene, ma per il male, diventerà un nemico di Dio e un distruttore del mondo. Ma Dio non può essere deriso; la gloria di Erostrato si trasforma per secoli in vergogna e dannazione eterna. Questo è anche un modo per trasmettere un monito alle altre generazioni.

L'arte è la scuola dell'umanità, ma l'apprendimento in questa scuola avviene non tanto attraverso la mente quanto attraverso i sentimenti, attraverso l'educazione dell'anima. Anche l'arte controversa ci fa pensare a noi stessi e al mondo in cui viviamo. La cosa principale è imparare a vedere e percepire, a sentire la voce del Creatore attraverso le voci terrene ed essere in grado di discernere l'immagine di Dio attraverso le immagini create dalle persone. A volte abbiamo bisogno di una grande arte che possa toccare le corde più profonde della nostra anima per farci comprendere qualche verità. Non è un caso che il Signore ricorra alle parabole, per spiegare i segreti del Regno dei Cieli, e queste erano immagini luminose e belle, presentate con la grazia di un vero poeta: “Il Regno dei Cieli è come una rete... come il lievito ... come un granello di senape, ecc."

Allora perché abbiamo bisogno dell’arte? Un saggio disse questo: “L’arte non è salvezza, ma un bastone saggio per coloro che seguono la via della salvezza”.

È improbabile che ci sia un altro fenomeno nella storia associato a così tante delizie e maledizioni, drammi e misteri, felicità ritrovata e perduta, come nel caso dell'arte. Ma sembrerebbe, cosa potrebbe non essere chiaro qui? Nelle lingue di molti popoli (russo, ucraino, ceco, ecc.), questa parola significa abilità, abilità. Qualsiasi prodotto umano, che si tratti di buoni stivali o di una pagnotta di pane, può essere definito “vera arte”! E in effetti, ogni maestro è un maestro della sua arte.

Cos’è comunque l’arte? E quali sono le difficoltà nel comprenderlo?

Fin dall'infanzia, da scuola, ricordiamo la storia del contadino Yakim dalla poesia di Nekrasov "Chi vive bene in Rus'":

C'è stato un incidente con lui: foto

L'ha comprato per suo figlio

Li appesi alle pareti

E lui stesso non è altro che un ragazzo

Mi è piaciuto guardarli...

E poi ci fu un incendio, e Yakim, invece di prendere 35 rubli, accumulati in un secolo, dall'incendio, cominciò a salvare le foto...

In relazione a ciò, fin dall'infanzia, l'immagine di uno Yakim così poco pratico, che preferiva immagini non necessarie a tutta la sua ricchezza, rimane nella memoria. Perché l'inutile sconfitta dell'interesse diretto, evidente vantaggio? Non incolpiamo Yakima "non istruito" per tutto. Vedremo più tardi che anche al più alto livello di istruzione le persone sono pronte a fare non meno sacrifici per l'arte.

Pertanto, l’eccezionale artista russo Alexander Ivanov ha impiegato 20 anni per dipingere il suo dipinto principale, “L’apparizione di Cristo al popolo”. Quasi una vita! Cosa lo ha spinto a compiere questo lavoro ascetico?

Anche la ragione di un’influenza così forte dell’arte sulle persone non è chiara a prima vista. Sotto la sua influenza, come è stato detto, vengono commesse sia imprese che crimini, a volte errori tragici.

Cosa fa un comandante quando vede che i soldati sono stanchi? Ordini: inizia a cantare! Nei borsoni dei soldati durante la guerra, accanto a granate e cartucce di ricambio, c'erano volumi di Pushkin, Lermontov, Tyutchev - per niente poeti “militari”. Alessandro Magno nascose l'Iliade di Omero sotto il cuscino insieme a un pugnale.

Apparentemente, c'è una sorta di potere nell'arte, a cui le persone obbediscono, hanno bisogno, sono attratte e assorbono in se stesse. È chiaro, diciamo, che le caricature non piacciono a coloro contro cui sono dirette. Ma a volte i dipinti che sono del tutto innocenti, dal punto di vista dell'esposizione di qualcuno, acquisiscono un potere esplosivo.

L'arte può spingere una persona nella direzione opposta e ispirare pensieri che non sono affatto coraggiosi. Pertanto, l'opera di Goethe "I dolori del giovane Werther" ha causato un tempo un'ondata di suicidi, e il film "Tarzan" ha causato molte ferite agli adolescenti: si sono arrampicati in massa sugli alberi e hanno urlato "come Tarzan".

La storia della letteratura conosce un caso in cui una donna francese, quando un ispettore di polizia le chiese perché fosse scappata dal marito, non seppe dire una parola in sua difesa, ma si limitò a citare enormi brani di Balzac...

Torniamo al nostro principale "perché" in relazione all'arte e proviamo a rispondere alla domanda: perché una persona ha bisogno dell'arte, perché è nata e perché non scompare, ma, al contrario, sta guadagnando sempre più nuovi fan ?

L'uomo non ha cominciato a pensarci oggi. Cercando di comprendere le ragioni dell'emergere dell'arte, ha avanzato una serie di spiegazioni più o meno plausibili. Una delle prime è la cosiddetta teoria “magica” dell'arte, che fa derivare l'arte dalla magia primitiva. Ma non riesce a spiegare perché l'arte non sia scomparsa quando l'uomo ha superato la magia.

Un'altra teoria, il "gioco", paragona l'arte a un gioco. C'erano molte menti eccezionali tra i sostenitori di questa teoria, e difficilmente si può negare che ci sia un elemento di gioco nell'arte. Ancora oggi, quando lodiamo un artista, diciamo: “ Ottimo gioco! Ma comunque. Se questo è un gioco, perché gli adulti “giocano”? Perché nel “gioco” entrano in gioco cose così serie, come la sofferenza, l'amore, il pensiero sulla vita, la morte? E, naturalmente, non parliamo del fatto che la lingua semplicemente non osa chiamare molte cose “giochi”. Diciamo "Guerra e pace" di Tolstoj, "Delitto e castigo" di Dostoevskij, "Il tranquillo Don" di Sholokhov...

Una delle teorie, “lavoro”, si avvicina ancora di più alla corretta comprensione dell'arte, notando il legame tra arte e produzione, che è così stretto che la natura del lavoro detta i ritmi dei canti e dei balli. Studiando la cultura dei popoli primitivi, G. V. Plekhanov ha osservato che tra loro "l'arte è un'immagine diretta del processo di produzione". Tutto questo è vero.

La teoria del lavoro non può rispondere alla domanda sul perché sia ​​nata l’arte, sul perché l’uomo abbia avuto bisogno, per così dire, di raddoppiare il processo di produzione.

Allora qual è la prima cosa che ti colpisce quando iniziamo a pensare alla natura dell’arte? Il fatto che davanti a noi ci sia un certo oggetto o azione che viene valutato da una persona non per quello che, in prima approssimazione, è. Quindi, nella danza del cacciatore, una persona si comporta in molti modi come in una vera caccia, ma non è la caccia ad essere ammirata, ma la danza. È lo stesso con i disegni in generale, i gioielli, i tatuaggi. Una fiaba angolana racconta di come una certa vecchia, un'artista, fece un tatuaggio a tre sorelle; “Tutte e tre le sorelle sono diventate ancora più belle di quanto non fossero. Disegni decoravano i loro volti, petti, stomaci e cosce. E la più giovane è diventata tale che la sua bellezza ora è semplicemente accecante”.

Le ragazze hanno acquisito qualcosa di completamente diverso da quello che avevano prima e che non è più adatto ad altro che ad “abbagliare” i loro occhi di bellezza.

Di conseguenza, l’arte è una sorta di oggetto o fenomeno “inutile” che, tuttavia, porta gioia. La parola "bellezza" è spesso, anche se non sempre, un equivalente, una designazione di questa gioia. Una persona ha bisogno dell'arte anche quando non porta gioia nella vita.

Dove possiamo trovare la risposta a questo fenomeno incomprensibile? Il primo pensiero che mi viene in mente è che l'arte ci dice qualcosa, segnala qualcosa... Forse ci dà conoscenza? Ma perché accanto alla scienza? La scienza non sta facendo il suo lavoro? Molto è stato detto sulle somiglianze e sulle differenze tra arte e scienza.

Un tempo, lo storico russo V.N. Tatishchev, discutendo delle proprietà delle cose "per natura" e di "cosa consiste in cosa", classificò l'arte come una "scienza alla moda" e sottolineò che alcune di esse potrebbero essere "necessarie", ad es. cioè utile.

Confrontiamo scienza e arte su alcuni semplice esempio, con una chiara coincidenza, per così dire, del loro “oggetto”.

Prendiamo un fiore. Uno è disegnato in un libro di botanica e l'altro è acceso disegno per bambini. Nel primo caso abbiamo la scienza, nel secondo l'arte. Qual è la differenza? E quale disegno è migliore?

Viene posta questa domanda, penso che chiunque proverà rimorso: è possibile confrontarli?!

Qual è la cosa principale in un disegno tratto da un libro di testo? Citiamo uno dei libri di testo di botanica per la prima media. “La struttura di un fiore di ciliegio. Piccoli fiori bianchi profumati di ciliegio sono raccolti in diversi grappoli. Ogni fiore ha un gambo corto: un peduncolo. La parte superiore del peduncolo è espansa e forma un ricettacolo. Ha un calice e cinque sepali, una corolla e cinque petali. Il calice e la corolla insieme costituiscono il perianzio. Al centro del fiore ci sono circa 20 stami, ciascuno dei quali è costituito da un'antera e un filamento, ecc. Ecc. L'immagine qui mostra anche un racemo e un fiore (in sezione trasversale).

Diamo ora un'occhiata al disegno del bambino. Potrebbe essere più o meno vicino al fiore reale, ma è chiaro che non ci sarà alcuna precisione. Un bambino disegna raramente un fiore specifico, raffigura un fiore in generale e, a proposito, non gli importa affatto se ci sono stami o sepali o meno. Qual è la differenza?

Nel libro di testo viene raffigurato un fiore in modo che possiamo imparare come funziona.

Nel disegno di un bambino, un fiore è raffigurato come espressione della percezione del mondo da parte di un bambino. Il bambino lo disegnava con piacere, come una parte importante di tutto ciò che lo circondava. Lui, e quindi noi, non abbiamo bisogno di sapere se l'essenza del fiore è trasmessa correttamente, ma sia noi che il bambino vediamo nel fiore uno dei segni gioiosi dell'esistenza e della manifestazione del bambino, cioè, generalizziamo, uno dei i segni dell’esistenza umana.

Quindi c’è una differenza di approccio anche verso gli stessi argomenti.

La scienza spassionatamente, indifferentemente, con il suo occhio che tutto vede, separa e analizza, quindi raccoglie e riporta fatti sulla struttura o l'azione di una sostanza, oggetto, fenomeno. L'arte guarda con sguardo sorpreso ciò che lo circonda, notando e riflettendo tutto ciò che è interessante dal punto di vista umano. E si scopre che questa è tutt'altro che la stessa cosa.

Facciamo un esempio più complicato. Il cielo stellato è studiato dagli astronomi e cantato da artisti e poeti. Cosa vedono gli astronomi nel cielo? Corpi celesti, orbite, distanze in anni luce, fonti di radiazioni e possibilità di civiltà extraterrestri. Cosa vedono i poeti? Fonte di ispirazione.

Nell'arte, una persona impara qualcosa su di sé, sui suoi pensieri e sofferenze, aspirazioni ed errori...

“Ma la scienza non studia l’uomo?” dirà il dissenziente. Studia, ma non quello.

La scienza studia l'uomo in generale, sia come individuo biologico (anatomia, biologia, medicina), sia come tipo mentale (psicologia, psichiatria, ecc.), ma non può studiare un individuo vivente, nella totalità delle sue grandi e piccole dimensioni. tratti distintivi, come fenomeno unico ed inimitabile.

No, e non può esistere una scienza su Cappuccetto Rosso o Natasha Rostova, il Demone o Faust. Ed è estremamente importante che una persona conosca i problemi morali e di altro tipo ad essa associati. Senza questo, alla fine non sarà in grado di comprendere il suo prossimo, non sarà in grado di vivere in una società che, dopo tutto, non è composta da astrazioni, ma da persone specifiche, viventi, completamente mortali. Non sarà capace di compassione, di amore...

E nessuna scienza può fornire questa conoscenza: la conoscenza dell'uomo e del mondo umano come suo habitat. Ciò è particolarmente evidente nell'arte primitiva. Nelle sculture primitive di donne, l'artista primitivo sottolinea le caratteristiche più importanti per il clan: la capacità di fertilità, la riproduzione del clan. Quando raffigura un alce, l'artista primitivo ne allarga il labbro inferiore. Perché? È pericolosa per lui?

Oppure è vulnerabile quando viene cacciato? NO. Questa è la parte più deliziosa dell'alce.

Le opere d'arte in cui non è presente alcuna persona presentano qualche difficoltà. Ad esempio, paesaggio, natura morta.

Sì, in effetti, una persona, di regola, non è raffigurata qui. Ma è presente indirettamente. O tracce della sua attività, o del suo habitat, o - e questa è forse la cosa più importante - la sua concezione del mondo circostante. Pertanto, l'immagine della natura potente nelle tele di Shishkin non è l'immagine della foresta in quanto tale e non l'immagine del "legno industriale", ma l'immagine di Madre Natura, che dà alla luce eroi, Madre Natura, a cui una persona si rivolge un momento di dolore. L'artista non offre la “natura indifferente”, ma la sua visione di essa, la sua comprensione di essa, e quindi ci appare “umanizzata”, anche se vengono raffigurati luoghi dove nessun essere umano è mai giunto prima.

Allora in cosa differisce l'arte dalla scienza, dal momento che le immagini dell'arte sono così diverse dalle immagini della scienza? E dobbiamo capire qual è esattamente la differenza?

Sergej Shevgota.

Il 20 giugno avrò una retrospettiva al Museo Russo ed è lusinghiero. Ciò non ha assolutamente nulla a che vedere con l’art.

Piace alla vanità, ma non ha nulla a che fare con l'arte.

In generale, il fenomeno delle mostre è nato in un'epoca in cui l'arte aveva perso la sua importanza: Michelangelo, lavorando alla Cappella Sistina, non fu gravato dalla mancanza di mostre, e Mantegna scrisse i suoi “Trionfi” per dieci anni, vivendo a corte di dEste, e sul fatto che nessuno sapeva esattamente cosa stesse scrivendo. Inoltre questi “Trionfi”, non apprezzati dalla famiglia d’Este, raccolsero polvere inutilmente finché non furono acquistati da Carlo II d’Inghilterra e trasferiti a Hampton Court, dove furono appesi in un padiglione buio e dove ancora oggi quasi nessuno li vede. .

Ti chiederò: conosci il dipinto “Trionfi” di Andrea Mantegna, sono quasi sicuro che nessuno di voi immagina nemmeno l'esistenza di quest'opera - e questo è un polittico di nove tele, ciascuna lunga sei metri, e questa è una delle opere più significative del Rinascimento. Non esagero, non è per stupire il lettore, è proprio così: Mantegna ha lavorato dieci anni a un'opera che chiarisce il concetto di Platone - l'ha finita, è morto, non gli è servito il dipinto, poi un Un inglese vanitoso lo comprò, lo appese in una tenuta di campagna e si dimenticarono del quadro.

Ma il dipinto non ha cessato di esistere e di donare la sua energia al mondo. Il dipinto è nascosto e non lo vediamo, ma l'effetto della sua presenza nel mondo è enorme.

L'arte esiste per dare alla nostra esistenza, non sempre significativa, l'energia dell'autenticità. Questo è il tipo di energia che dà alle persone la capacità di provare compassione per gli altri; provare sentimenti precedentemente sconosciuti a loro; confrontare le proprie emozioni con le emozioni incomprensibili della propria specie, sentire il mondo che li circonda in modo più acuto. Questa è una sorta di riconoscimento del mondo, tuttavia, questa non è la conoscenza che la scienza dà alle persone, è piuttosto un'esperienza estatica. L'arte condensa questa esperienza e la trasmette nel mondo – e la vera arte ha la capacità di produrre questo effetto costantemente nel corso dei secoli. Ora, il dipinto di Mantegna esiste, e questa azione avviene regolarmente, indipendentemente dal fatto che qualcuno lo veda o meno.

Vedi, sono sicuro che l'emanazione dello spirito è un fenomeno fisico oggettivo.
Probabilmente hai prestato attenzione ai gruppi di turisti che marciano attraverso l'Ermitage o il Louvre senza voltare la testa verso i dipinti: è consuetudine prendersi gioco di queste persone.

Credo che vengano derisi invano: queste persone ricevono un'incredibile carica d'arte, una potente iniezione di autenticità dell'essere. I dipinti danno loro energia, anche se le persone non li guardano.

La necessità di mostre d’arte è nata in una società che ha iniziato a produrre oggetti di artigianato di un giorno invece di opere d’arte destinate a durare per sempre. Mantegna ha scritto per secoli (come Platone, che ha decifrato), ma un giornalista scrive sull'argomento del giorno, un disticista compone per il giorno del pompiere, e un artista moderno, se non mostra le sue opere prima di pranzo, non sarà più moderno, questo è il disastro. Il rischio di “non avere tempo per dichiararsi”, di essere in ritardo nell'esprimersi, è apparso in una coscienza distrutta; questa è una conseguenza disordine mentale, inoculato con il virus del giornalismo in tutta la società.

L'arte, come la vita stessa, esiste o non esiste, e la cosiddetta “verità dell'arte” sta nel fatto che questa verità non ha bisogno di essere dimostrata. Il desiderio di corrispondere alla “verità del momento”, la cosiddetta “rilevanza”, è già così folle che il momento, per definizione, non potrà mai essere quello giusto. Ogni giorno in tutto il mondo si svolgono mostre di farfalle, ogni stagione le sfilate di moda sconvolgono l'umanità illuminata e le riviste devono scherzare e battere i denti di nuovo ogni giorno. Questa è un'attività di sicurezza, avviene nel foyer del teatro, ma l'arte stessa riguarda qualcos'altro.

Uno dei miei insegnanti è stato l'artista moscovita Evgeny Andreevich Dodonov, morto alla fine degli anni '70. Questo è un artista russo significativo, anche se non ne hai mai sentito parlare. Ma non hai nemmeno sentito parlare dei “Trionfi” di Mantegna.

Evgeniy Andreevich in apparenza somigliava a Zabolotsky: un uomo pulito con una giacca, occhiali rotondi e a casa portava stivali. Ci sono persone (professori universitari o militari in pensione) che mantengono il loro equilibrio anche dopo il pensionamento: ecco com'era lui. Attraversava le stanze del condominio di due stanze vicino alla stazione Kievsky con passo tranquillo e calmo, sempre con la schiena dritta, sempre con scarpe lucide.

Non beveva alcolici, non fumava, non sapeva imprecare: sullo sfondo colorato degli artisti di quegli anni sembrava un contabile. Quindi (tuttavia, sempre) gli artisti sottolineavano l'originalità della loro natura con il loro aspetto, e le imprecazioni e l'ubriachezza erano una decorazione necessaria - e lo scenario occupava tre quarti del palco. Tuttavia, presto arrivò il sollievo: il genere della performance portò gli oltraggi quotidiani nella creatività.
A Dodonov non piaceva né sapeva come fare nulla di tutto ciò e non poteva unirsi a nessuna compagnia amante della libertà.

Non voleva entrare in nessuna azienda. Era un disegnatore persistente: per tutta la vita ha dipinto quello che è successo a lui e alla sua generazione: ha dipinto campi e trasferimenti, code per il cibo, scene strane nelle piazze di provincia, persone che piangono, rifugiati, mendicanti. Dodonov trascorse più di dieci anni nel campo, uscì dopo la guerra e negli anni successivi raccontò quello che era successo al Paese.

Dipingeva su carta - con matita e tempera - perché cavalletto e tela non entravano nella stanza. Dodonov dipinse a lungo, assaporando gli strani dettagli, disegnando i dettagli, e poi accatastò i dipinti sotto il letto. Non mi aspettavo mostre o vendite. Lo stile di Dodonov dovrebbe molto probabilmente essere chiamato “espressionismo”, se teniamo presente che la linea è tesa e le caratteristiche dei personaggi sono interpretate in modo grottesco. Tutte queste definizioni sono condizionali e il fenomeno dell'espressionismo nell'arte russa è definito in modo impreciso. In sostanza, l'espressionismo eredita le tecniche stilistiche dalla pittura di icone: nel caso russo, dall'icona di Novgorod, e nel caso spagnolo, ad esempio, dalla pittura di icone greca, attraverso il cretese El Greco. Gli espressionisti russi erano Filonov e Goncharova. Chagall, Falk, Drevin - ma, ripeto, il punto non è nella tecnica, non nel corso della mano. Il fervore iconografico, da cui ha avuto origine questo stile, è insito in alcuni, ma non in altri: con altrettanta ragione chiamiamo espressionisti Van Gogh, Georges Rouault ed Egon Schiele. Dodonov era una persona ardente e fanatica, e questo è tanto più sorprendente: nella vita di tutti i giorni era sobrio e noiosamente pulito. Ma i dipinti di Van Gogh sono anche inseriti in cornici ordinate.

Molto spesso vediamo proprio esempi opposti: una personalità tempestosa, che produce un effetto decorativo schiacciante con il suo aspetto, in realtà non crea assolutamente nulla - ed Evgeniy Andreevich era un uomo educato e si comportava con moderazione, ma i suoi dipinti erano estremamente tempestosi.

Postumo ha tenuto una mostra alla Galleria Tretyakov nel 2000. Hanno guardato, sono rimasti addirittura stupiti, a molti è piaciuto, ma si sono subito dimenticati - la "verità del momento" stava nel superamento della crisi del 98, in nuovi prestiti, nell'arrivo di Putin, in conformità con i marchi e le tendenze globali - che passioni, sussulto! Mostre di artisti attuali si sono svolte nelle gallerie di tutto il mondo, è una maratona di ambizioni continua: essere lì in tempo, e poi lì: Venezia, Basilea, Londra, anzi, quelli che non ce l'hanno fatta erano in ritardo! Cosa c'entra Dodonov? Quindi le sue cose giacevano sotto il letto. È vero, i suoi dipinti sono stati recentemente acquisiti dalla Volga Art Gallery ed è apparso un nuovo museo; Sono orgoglioso di aver contribuito a tutto questo. La mostra comprenderà una ventina di oggetti di Dodonov.

Ma anche questo non significa nulla. L'hanno acquisito miracolosamente, forse non se ne sono accorti - dopo tutto, non era un membro dei gruppi famosi, al momento giusto con le persone giuste non ci siamo incontrati.

Si è soliti dire: arriverà il suo momento. Questa è una sciocchezza, non dovresti crederci. Ciò non dovrebbe mai essere una consolazione. Il momento può arrivare oppure no – inteso come momento, come urgenza, come articolo di giornale, come “quindici minuti di fama” – un momento simile potrebbe non arrivare mai. Ma questo tempo non ha importanza. Il tempo dell’artista, una volta arrivato, rimane sempre – l’arte non ha fretta, semplicemente esiste, resta, anche dimenticata, anche sconosciuta, cambia il mondo – questa è la sua forza.

Questa forza è invincibile.